domingo, 12 de septiembre de 2021

Mesa redonda virtual "La bestia en el cine"


Mesa redonda virtual  

“La bestia en el cine”

Con Octavio López, Jorge San Román y Juan Luis Sánchez

Modera Jordi Ojeda

Martes 21 de septiembre de 2021

A las 19h en twitter y facebook

Organiza @diskimus @diabolocomics @Fnac_CAT

Mesa redonda virtual con los autores Octavio López (Hace un millón de años. Todo el cine de dinosaurios (1914-1987), y Cuando los dinosaurios dominaban la tierra. Todo el cine de dinosaurios (1988-2020)), Jorge San Román (¡Quita tus patas de encima, mono asqueroso! Gorilas, orangutanes y chimpancés en el cine), y Juan Luis Sánchez (¡No salgáis al páramo! Todo el cine y series de hombres lobo), Modera Jordi Ojeda (Robots de Cine. De María a Alita).


A continuación, las notas de prensa de cada libro, el link a la página de la editorial con más información y la portada respectiva:

¡No salgáis al páramo! Todo el cine y series de hombres lobo.

Autor: Juan Luis Sánchez

https://www.diaboloediciones.com/%C2%A1no-salgais-al-paramo-todo-el-cine-y-series-de-hombres-lobo/

« ¡Marchaos! Pero seguid la carretera. ¡No salgáis al páramo! ¡Y cuidado con la luna!».

Estas advertencias son lo mínimo que puedes escuchar si decides entrar en un pub de la Inglaterra profunda llamado El cordero degollado.

Hace cuarenta años, Un hombre lobo americano en Londres, consiguió que volviéramos a tener miedo las noches de luna llena.

Los licántropos nos han acompañado desde tiempos inmemoriales, y son una parte importante de la cultura popular.

Juan Luis Sánchez (¡Una de vampiros! ¡Devórame otra vez!) recorre en este peludo libro, todo el cine de los aulladores desde el inicio del séptimo arte.

¡En el 2021 se cumplen 40 años de la mítica Un hombre lobo americano en Londres y 80 años de El hombre lobo de Lon Chaney Jr!


¡QUITA TUS PATAS DE ENCIMA, MONO ASQUEROSO! Gorilas, orangutanes y chimpancés en el cine  

Autor: Jorge San Román

https://www.diaboloediciones.com/%C2%A1quita-tus-patas-de-encima-mono-asqueroso-gorilas-orangutanes-y-chimpances-en-el-cine/

Desde hace mucho tiempo, los monos han ocupado un lugar destacado en la cultura popular. Publicidad, cine, cómics…han dado protagonismo a nuestros parientes más cercanos.

Este libro, que lleva como título, una frase que ha pasado a la historia del cine, recorre todas las películas en que los primates han amado, luchado, destruido…

King Kong, El planeta de los simios, Tarzán de los monos, y muchos más, son títulos que forman parte de nuestros más queridos recuerdos cinematográficos.


Cuando los dinosaurios dominaban la tierra. Todo el cine de dinosaurios (1988-2020).

Autor: Octavio López Sanjuán

https://www.diaboloediciones.com/cuando-los-dinosaurios-dominaban-la-tierra-todo-el-cine-de-dinosaurios-1988-2020/

Desde En busca del valle encantado a Jurassic World, este libro recoge la historia reciente de los largometrajes dedicados a las bestias del pasado —tanto superproducciones como gemas ocultas— sin olvidar el paso de estas criaturas por la pequeña pantalla. Una filmografía que desafía el paso del tiempo y que demuestra estar más de actualidad que nunca. Prepárate para embarcarte en un viaje por el cine contemporáneo dedicado a esta fauna, entre dentelladas salvajes y pisadas que hacen temblar el suelo.

Cuando los dinosaurios dominaban la tierra continúa la senda que emprendimos con Hace un millón de años, y completa más de un siglo de cine de dinosaurios que ha asombrado a varias generaciones de espectadores


HACE UN MILLÓN DE AÑOS. Todo el cine de dinosaurios (1914-1987)  

Autor: Octavio López Sanjuán

https://www.diaboloediciones.com/hace-un-millon-de-anos-todo-el-cine-de-dinosaurios-1914-1987/

Hace un millón de años recorre la historia de las producciones cinematográficas –grandes clásicos y joyas olvidadas- centradas en estos grandes animales del pasado, desde el nacimiento del séptimo arte hasta el ocaso del stop motion como método revitalizador a finales de la década de los ochenta.

Un sentido homenaje a todos aquellos artistas, que dedicaron su vida a rescatar de la extinción a estos fabulosos animales que dominaron la Tierra y dominan nuestra fantasía desde la más tierna infancia.

Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, Gorgo, La tierra olvidada por el tiempo, El último dinosaurio, Viaje al centro de la Tierra, El planeta de los dinosaurios…y muchas más películas en un libro bellamente ilustrado.  








jueves, 9 de septiembre de 2021

Article a @ElCinefilCat «Empatia a la família»

«Empatia a la família»


El meu article número 99 a la revista virtual "El Cinèfil, la revista de cinema en xarxa i en català" (i gratuïta).

Amb motiu de l'estrena a les sales de cinema de la pel·lícula ¿Quién es quién? (Le Sens de la Famille, 2020), dirigida per Jean-Patrick Benes dedico l'article a reflexionar sobre la importància de l'empatia a la família.

Teniu l'article, en català, al següent enllaç:



Si voleu llegir tots els articles que he publicat a la revista podeu veure el link següent:

http://elcinefil.cat/author/jordiojeda/

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A continuación tenéis el artículo traducido al castellano:

Empatía en la familia
Un original juego de roles en ¿Quién es quién?
Jordi Ojeda

¿Estás contento con tu familia?... ¿No?... ¿La quieres cambiar? Pues vigila con lo que deseas porque se puede hacer realidad. Esto es lo que le pasa a un padre de familia, interpretado por Franck Dubosc, a la película ¿Quién es quién? (Le Sens de la Famille, 2020), dirigida por Jean-Patrick Benes. Dubosc acaba solo en una atracción en el parque después de dos horas haciendo cola los cinco para que, en el último instante, la madre se pelee con los dos hijos adolescentes y la pequeña justo quiera ir al baño cuando les toca subir. Es en este solitario paseo en cabina que piensa en la mala suerte de tener una familia como la que tiene y que quisiera que fueran muy diferentes.

Y al día siguiente, justo al levantarse, se dan cuenta que se ha cambiado la mente entre los cinco: la madre ahora es la pequeña, la pequeña es el padre, el padre es su hijo, el joven es la hermana y la hermana es la madre... más o menos, para que la gracia de la película es que se van cambiando, aparentemente, cada día. El intercambio de cuerpos es un género bastante recurrente en el cine: hay ejemplos de intercambios consigo mismo como Tom Hanks en Big (1988) (en este caso pasando de niño a adulto), o, lo más habitual, entre dos personas, como Jamie Lee Curtis y Lindsay Lohan intercambiando los cuerpos entre madre e hija en Ponte en mi lugar (Freaky Friday, 2003), o, más reciente, entre dos amantes interpretados por Stéphane de Groodt y Louise Bourgoin en la película francesa Cariño, yo soy tú (L'un dans l'autre, 2017).

Pero el intercambio entre varias personas y que se vaya repitiendo a lo largo de la película no es tan habitual (aunque sí hay alguna excepción puntual), y es que existe el peligro de que el espectador se pierda para saber quién es quién en cada momento con tantas personas (en la película se añade la abuela a los intercambios y, más tarde, una llama, pero eso es otra historia). De hecho, en ¿Quién es quién? los mismos personajes reconocen que es un lío y, en primera instancia, deciden ponerse un post-it en la frente con la identidad del día y, más adelante, se ponen una camiseta con la cara correspondiente. Esta cierta complejidad frenó la idea inicial de hacer una serie para la televisión, y la simplificación fue tan extrema que el resultado final es esta película.

La trama se basa en tres pilares fundamentales:

- Primero, la gran interpretación y la gran complicidad de los actores Franck Dubosc y Alexandra Lamy, padre y madre, respectivamente, que ya habían trabajando juntos protagonizando la comedia Sobre ruedas (Tout le monde debout, 2018). La actriz Alexandra Lamy borda la escena más hilarante de la película cuando, con la mente de su marido, acaba pasando una velada (se entiende que íntima) con su amante, como si el marido quisiera descubrir qué es lo que le da este amante que no le dé él,... y vaya si lo descubre.

- Segundo, el descubrimiento de la pequeña actriz revelación de diez años, Rose de Kervenoaël, genial sobre todo en el papel de la madre, haciendo que su papel sea muy verosímil. De ella también surgen algunos de los momentos que buscan increpar al espectador, como cuando la vemos fumando continuamente (curiosamente, en los créditos lo primero que aparece es un aviso de que la niña no fumaba en realidad, que eran efectos especiales, mejor avisar por si acaso).

- Y tercero, los habituales malentendidos provocados por los cambios de sexo (que si tengo pene o no, o tengo pechos o no), por los cambios de edad (abuela versus adolescente, por ejemplo), o por los hábitos poco saludables (fumar o drogarse) o estereotipados (adolescentes pendientes del móvil, etc.), todo ello característico de un juego de rol muy original, impregnado también con una cierta picardía, por un lado, y con toques infantiles, por otro.

De todos modos, la película es más compleja de lo que parece, y un poco transgresora, a pesar de que parte de una premisa simple al considerar una familia arquetipo que claramente va en retroceso en nuestra sociedad: un padre, una madre y tres hijos, considerado hoy en día como familia numerosa. Algunas escenas nos invitan a reflexionar sobre lo que está bien y lo que está mal, o lo que hacemos en función de la edad (por ejemplo, hay estudios que demuestran que eres menos emprendedor con la edad, y que se puede aplicar en una de las subtramas del guión)... también sobre el devenir de los años, la desilusión de la pareja, los cambios en los adolescentes, la relación entre los hermanos, las parejas en la tercera edad, etc.

Las interpretaciones son tan buenas que se evita caer en la caricatura, con mucha fuerza de la expresión corporal además de lo que puedan decir o hacer. Pero quizás les estaba quedando demasiado sería. Y a pesar de haber grabado toda la producción en una relación de aspecto 2,39: 1 (la más habitual en el cine hoy en día, más "horizontal"), el director decidió, en la mesa de montaje, recortar todos los fotogramas a una relación 1,85: 1 (que llena la pantalla de las televisiones actuales), con la convicción de que esta relación ayudaba mejor a potenciar la comedia haciendo las escenas menos pretenciosas. Puede ser también que el recorte ayude a darle un acabado más cercano al de televisión que al del cine, pero esto se puede discutir... en todo caso, ahora que lo sabéis, podéis hacer el ejercicio de imaginar lo que falta a los lados de cada escena y que realmente se fotografió.


El continuo intercambio de cuerpos potencia justamente las escenas delirantes y divertidas, pero el mensaje es más profundo y no se esconde ni siquiera en el título en francés: «El sentido de la familia» (Le sens de la famille, en el original). Para los miembros de esta familia, el sentido de su familia lo encuentran después del camino recorrido, de la experiencia vivida, de la capacidad de ponerse en el lugar de la otra persona. Es en este sentido que la película se parece más a Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine, 2006), tal y como lo indican sus propios guionistas, que la consideran un referente de ¿Quién es quién?.

Es por ello que adquiere un sentido más filosófico cuando comprobamos que la familia se puede formular como la suma de las identidades de los individuos que la forman y que debemos admitir que necesitamos la mirada de los otros para esclarecer nuestra propia identidad: la habilidad de poder ponerse en el lugar del otro es fundamental en una familia.

Es curioso como una película escrita en 2018 y rodada en otoño de 2019 para ser estrenada a finales de 2020 y que se acaba estrenando en verano de 2021, nos haga una especie de sacudida para recordarnos la importancia de que las familias deben ser (debemos ser) empáticas si queremos sobrevivir en época de pandemia.

¡Nos vemos en las salas de cine!




lunes, 23 de agosto de 2021

Article a @ElCinefilCat «El dret de viure... d’una intel·ligència artificial»

«El dret de viure... d’una intel·ligència artificial»


El meu article número 98 a la revista virtual "El Cinèfil, la revista de cinema en xarxa i en català" (i gratuïta).

Amb motiu de l'estrena a les sales de cinema de la pel·lícula Free Guy (2021), dirigida per Shawn Levy dedico l'article a reflexionar sobre els drets de les intel·ligències artificials.

Teniu l'article, en català, al següent enllaç:



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El derecho a la vida... de una inteligencia artificial
20th Century Studios estrena Free Guy en las salas de cine
Jordi Ojeda

En las reseñas de la película Free Guy (2021) veréis que se indica que es una comedia de 20th Century Studios estrenada en las salas de cine (esto cada vez es más noticia), protagonizada por Ryan Reynolds en el papel de Guy, un cajero de un banco de Free City que descubre que, en realidad, es un personaje secundario de un videojuego y sí, es eso y mucho más, pero yo destacaré un par de temas que están implícitos en la trama.


 Por un lado, el primer tema subyacente de la película es el reconocimiento de los derechos de autor. La programadora, interpretada por Jodie Comer, sospecha que se está utilizando un algoritmo matemático desarrollado por ella sin su permiso, después de que junto con su socio (interpretado por Joe Keery) vendieran el juego diseñado a la compañía liderada por un histriónico magnate interpretado por Taika Waititi. Las evidencias son claras pero necesita tener exactamente la prueba de que su código revolucionario está dentro del código del propio juego, por lo que decide ella misma convertirse en jugadora para averiguar el lugar exacto donde se esconde la información en el mundo virtual del videojuego... y es allí donde tendrá la inesperada ayuda de Guy.

Guy vive una existencia sencilla, rutinaria... tanto que se podría decir que vive en un bucle, en un bucle de un personaje secundario del videojuego. Por eso cada día tiene la misma ropa que ponerse, el mismo café, el mismo trabajo,... hasta que un detonante (que no desvelaré para mantener el misterio) lo dota de capacidad de aprendizaje y de recordar, lo que poco a poco le permitirá adquirir conciencia de su existencia. Guy observa atónito el entorno que le rodea y tiene la iniciativa de alcanzar nuevas metas y salir del bucle en el que vivía probando más cosas.

Y aquí aparece el segundo tema subyacente de la película: el derecho a vivir de una inteligencia artificial. Es un tema de máxima actualidad, la inteligencia artificial y los derechos humanos, pero los organismos internacionales no están trabajando en el camino que plantea la ficción. El Consejo de Europa aprobó en 2019 las Directrices sobre Inteligencia Artificial y Protección de Datos, en 2018 se aprobó la Declaración de Toronto sobre el diseño y/o implementación de sistemas de aprendizaje automático en contextos públicos, y el mismo año se aprobó también las Directrices Universales para la Inteligencia Artificial, documento firmado por más de cincuenta organizaciones científicas y más de doscientos expertos de todo el mundo, y así unos cuantos más, como los Principios de Pekín de 2019… Todos ellos, simplificando muchísimo, tienen en común el objetivo final: maximizar los beneficios de la inteligencia artificial, minimizar el riesgo y garantizar la protección de los derechos humanos... LOS DERECHOS HUMANOS, es decir, de nosotros... pero, ¿qué pasa con las inteligencies artificiales propiamente dichas?

Pues que, una vez más, la ficción se adelanta a la realidad. El concepto de «inteligencia artificial» es muy reciente: fue acuñado por primera vez en 1956 por John McCarthy, profesor de la Universidad de Standford, que lo definía como «la ciencia y la ingeniería de fabricar máquinas inteligentes, especialmente máquinas inteligentes de computación ». El concepto en sí hace referencia a la creación de un sistema que trata de emular o imitar la racionalidad del ser humano, en el sentido de que es capaz de dar respuestas lógicas basándose en una serie de datos, reglas o instrucciones que recibe para poder alcanzar una solución. Turing ya vislumbró pocos años antes la dificultad que tendríamos en un futuro próximo a distinguir a un humano de un ser artificial (idea que potenció lo que se conoce como el Test de Turing).

Guy, un ser virtual dotado de inteligencia artificial, cobra conciencia de sí mismo y tiene capacidad de enjuiciar moralmente la realidad y los actos, especialmente los propios. Y lo que es más curioso: decide convertirse en una buena persona, en un buen amigo de sus amigos, en un buen ciudadano, toda una lección de honestidad. Y aquí es donde quería añadir un tercer tema subyacente: el éxito de un videojuego ultraviolento y caótico, donde los cínicos jugadores viven una existencia salvaje dentro del juego y suben de nivel cometiendo actos de hostilidad y vandalismo que no responden a ninguna provocación.

En su defensa diré que es una película de ficción, que no está basado en ningún videojuego real y que lo que hacen los guionistas es explotar al máximo los estereotipos asociados al sector, entiendo. Por tanto, tampoco hablaré de los jugadores adolescentes en la vida real que se dedican a atracar y asesinar, ni hablaré de los adultos entrados en años jugando en la habitación mientras la madre le lleva la merienda y le regaña por no recoger la habitación... todo esto es otro tema en el que no es necesario profundizar para disfrutar de un espectáculo audiovisual muy refrescante.



viernes, 20 de agosto de 2021

Nueva portada y nueva sobrecubierta para el libro #RobotsDeCine

 Desde el viernes 20 de agosto de 2021, disponible una nueva portada y una nueva sobrecubierta para el libro #RobotsDeCine. Tenéis la nota de prensa e imágenes del interior aquí.





jueves, 12 de agosto de 2021

Article a @ElCinefilCat «No és país per a professionals honestos»

«No és país per a professionals honestos»


El meu article número 97 a la revista virtual "El Cinèfil, la revista de cinema en xarxa i en català" (i gratuïta).

Amb motiu de l'estrena a les sales de cinema de la pel·lícula El medico de Budapest (Zárójelentés, 2020), dirigida per István Szabó dedico l'article a reflexionar sobre la seva analogia i crítica de la societat contemporània.

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A continuación tenéis el artículo traducido al castellano:

No es país para profesionales honestos
El director István Szabó presenta su testamento cinematográdico
Jordi Ojeda

El húngaro István Szabó probablemente ha dirigido su última película a los 82 años, y lo ha manifestado en el mismo título de la película: «Informe final» (Zárójelentés en el original). Su testamento cinematográfico tiene forma de alegoría, El medico de Budapest (Zárójelentés, 2020) es una crítica mordaz de la sociedad actual, en general, y la húngara, en particular. Su alter ego lo encarna su actor fetiche Klaus Maria Brandauer, que interpreta al médico Ivan Stephanus (con el mismo acrónimo que el director, parece una clara alusión, además teniendo en cuenta que el padre de Szabó también fue médico de pueblo).

El Dr. Stephanus, amante de la ópera como cantante aficionado, melómano coleccionista y marido de una soprano, es un prestigioso cardiólogo de un viejo hospital de Budapest (Hungría), dedicado a su profesión y sacrificado por sus pacientes... hasta que una decisión política cierra el hospital, desmantelando el equipo humano, repartiendo el material aprovechable y jubilando a los que ya tengan la edad correspondiente, como es su caso.

Siendo una persona activa y en buen estado de salud, después de una sucesión de acontecimientos casuales, se plantea no jubilarse y volver a abrir la consulta local de su padre, en su pueblo natal, lo que le permitiría vivir con su madre, viuda y delicada de salud, además de recuperar la consulta para la comunidad, a pesar de la distancia que le supondrá de su mujer (su hija, casada con un japonés, vivía en Alemania y, al inicio de la película, anuncia que se cambia de residencia a Sydney, dando una idea de familia cosmopolita y universal).

Ya tenemos varios paralelismos más con el director: profesional jubilado en el momento de más experiencia y potencial para la comunidad, además de la afición por la ópera como metáfora del propio cine. Y diferentes perfiles entre el personal médico y de enfermería: personas ambiciosas, personas con capacidad de adaptación a los cambios y personas que no comprenden porque se cierra un hospital que funcionaba y daba un servicio a la sociedad.

La acogida como médico de pueblo es bien dispar: del reconocimiento inicial al nuevo servicio médico y su proximidad y disposición, al desaire y desprecio final de su estancia. En medio, podrá comprobar en su piel la avaricia y la falta de honradez de los políticos, encarnado en el alcalde (curiosamente, antiguo director de la escuela), que planea crear todo un complejo turístico en torno a un nuevo proyecto de construcción de un balneario... sabiendo que el agua del manantial no es medicinal realmente.

También podrá comprobar la desidia de un médico joven de guardia en el hospital más cercano, el trato burocrático y deshumanizado a la familia de un paciente fallecido y el corporativismo profesional, aparentemente para proteger una mala praxis del residente. Todo ello, rezumando nepotismo (el alcalde le recuerda que el director del hospital es su primo), y endogamia, poniéndole todas las trabas posibles para poder continuar con su actividad (el alcalde quiere derruir la consulta para construir en su lugar el nuevo hotel del balneario).

Ahora bien, lo peor de todo será sufrir el rencor de su madre, con un profundo resentimiento arraigado y tenaz, y el cotilleo del pueblo, hablando de forma indiscreta, con malicia y desdén y, sobre todo, haciendo daño de forma intencionada a la viuda profesora de la coral de la escuela, diana de la frustración colectiva de un pueblo envidioso e inculto, con la que el Dr. Stephanus había establecido una sincera amistad, reconociendo su resplandor entre tanta amargura.

El ensañamiento del alcalde contra el médico del pueblo, el uso instrumental del diario local para mancillar su honorabilidad y la simplicidad de la vecindad es el contrapunto de dos aspectos fundamentales que identifican al personaje íntegro del Dr. Stephanus: su profesionalidad (siempre representada por el juramento hipocrático), y su pasión por la cultura (en especial por la música clásica y la ópera). El reconocimiento de que las personas execrables y corruptas suelen sobrevivir años y años nos deja un cierto sabor agridulce al final de la película, si es que, de verdad, la sociedad actual es así, en Hungría y, tal vez, en todas partes (¿no somos europeos?).

En todo caso, es cierto y de agradecer el reconocimiento y la importancia de la cultura para desarrollar nuestros valores y convertirnos en ciudadanos honestos... Nos vemos en las salas de cine.


jueves, 5 de agosto de 2021

Article a @ElCinefilCat «De pusil·lànime a deixar-nos bocabadats»

«De pusil·lànime a deixar-nos bocabadats»


El meu article número 96 a la revista virtual "El Cinèfil, la revista de cinema en xarxa i en català" (i gratuïta).

Amb motiu de l'estrena a les sales de cinema de la pel·lícula Una villa a la Toscana (Made in Italy, 2020), dirigida i guionitzada pel debutant i actor James D'Arcy dedico l'article a reflexionar sobre la importància d'escollir el tipus de vida que volem fer i a on.

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A continuación tenéis el artículo traducido al castellano:

De pusilánime a dar la campanada
El actor James D’Arcy debuta como director en Una villa a la Toscana
Jordi Ojeda

Hay obras realizadas antes de la pandemia y publicadas o estrenadas durante la misma que parecían muy apropiadas con el momento que estábamos viviendo, sin que estuvieran concebidas con esta intención, evidentemente. La película Una villa a la Toscana (Made in Italy, 2020) es un buen ejemplo, cuando como espectador contemplamos atónitos como el protagonista de la película que vive en un pequeño apartamento en el centro de Londres quiere vender una villa en la Toscana. Y más cuando podemos ver ambas viviendas y, sobre todo, las vistas y la calidad de vida, mucho que ver con la vida acelerada que llevamos todos.

Pero cambiar Londres por la Toscana no se hace de un día para otro, por todo lo que implica, no es tan fácil dar el paso. La decisión, en realidad, es consecuencia de un proceso de cambio... y el proceso debe ser verosímil para el espectador. Y en la película lo es, y no tiene importancia que el final sea más o menos previsible... lo más importante es el camino realizado hasta llegar a ese desenlace final. Y el punto de partida era complicado.

De forma resumida, la historia nos muestra la necesidad de un galerista, que se está divorciando, de poder tener dinero que le permita comprar la sala que ha dirigido en los últimos años, una galería que es de sus futuros exsuegros, con lo que supone todo en sí. La única forma que se le ocurre para tener dinero rápido es vender una casa familiar que tiene conjuntamente con su padre y que hace más de veinte años que está abandonada. Abandonada por una actitud pusilánime de un artista en horas bajas, sin inspiración ni energía, por lo que apreciamos.

El padre comprende la situación y acepta la propuesta de vender urgentemente la propiedad, y lo acompaña para ayudarle en la venta. En el viaje de Londres a la Toscana por carretera y la llegada a la villa iremos descubriendo que tienen una relación distante después de la muerte de la mujer y madre en un accidente de tráfico hace más de veinte años (el chico de siete años terminó en un internado y el padre abandonó la casa, huyendo de los recuerdos, la añoranza y la culpa). El aparente torpe padre resulta que es un famoso pintor en horas bajas, con muchos años sin exponer y, el hijo, resulta ser un artista frustrado reconvertido en galerista.

El hogar que se encuentran está en estado ruinoso tras el abandono, rodeado de un jardín aparentemente descuidado durante años. En cambio, el aspecto exterior de la villa se ve muy robusto y con una sensación de originalidad y tradición asociada a las raíces del lugar, sin modernidades como piscina o antenas de televisión, por ejemplo. Y las vistas... ¡qué vistas más maravillosas desde una colina!

La promotora contratada para venderla, interpretada por la contundente actriz Lindsay Duncan, les propone que mejoren el aspecto de la villa para dar una sensación más agradable a los posibles compradores y poder así subir el precio de venta. Y así lo hacen, contratando profesionales para la electricidad y obras mayores, y participando padre e hijo en las obras menores, como limpiar y pintar las paredes, no sin evidenciar la falta de pericia de ambos.

A partir de este momento, el arreglo de la villa se convierte en una metáfora emocional, con una evolución paralela de la mejora del aspecto del hogar y la relación entre padre e hijo, poniendo encima de la mesa el duelo por la pérdida de la persona amada. Vivimos en una sociedad donde las cosas dicen mucho de nosotros y, en caso de pérdida, las cosas te pueden evocar un tiempo pasado que ya no se podrá volver a repetir, pero también es verdad que es una memoria que se puede honrar. En realidad, toda la película en sí lo hace, ya que el mismo director debutante, el actor James D'Arcy, es el responsable del guion y reconoce que se inspiró en una situación personal que vivió en su infancia.

Ahora bien, lo más desconcertante para el espectador es el hecho de que el padre y el hijo estén interpretados por Liam Neeson y Micheál Richardson, padre e hijo en la vida real, ambos con una historia similar a los personajes de la película. Hay que recordar la muerte de la actriz Natasha Richardson en 2009 en un accidente esquiando. De hecho, el actor Micheál Richardson, nieto de la actriz Vanessa Redgrave y del cineasta Tony Richardson, se cambió el apellido en 2018 en homenaje a su madre.

D'Arcy acertó en proponerle la película a Liam Neeson, después de que llevara varios años concatenando películas de acción. Neeson acertó aceptando un papel con un cambio de registro evidente, participando en un proyecto dotado de esperanza y alegría en contraposición con sus últimas películas. Y acertó en proponer a su hijo para el papel... de su hijo. Y este superó la prueba con creces (reconoce que hizo un casting formal), y se preparó a fondo, por ejemplo, utilizando un acento británico que había perdido de su larga estancia en Estados Unidos.

La conexión padre e hijo rezuma emoción real y, en ocasiones, es profundamente conmovedora, y más si conoces la situación en la vida real de ambos. Los mismos implicados comentan en las entrevistas que nadie hablaba de este tema en el rodaje pero que todo el mundo era consciente de la mochila que llevaba cada actor a su espalda. «Tú no puedes recordar y yo no puedo olvidar» le dice el padre a su hijo en un instante de la película, en referencia al recuerdo de la mujer, pero también del amor a un lugar, a una cultura ya una forma de ser, especialmente en lo referente a la relación con la familia. Es por ello que su título original evoca más a la construcción de un concepto social más abstracto (reconociendo el aprecio por la cultura italiana) que el título en castellano, más concreto, pero no por ello menos simbólico, asociado a un lugar donde el paisaje te deja sin aliento y la forma de vida... absolutamente asombrado.


 



miércoles, 28 de julio de 2021

Article a @ElCinefilCat «Longanimitat nitòmana»

«Longanimitat nitòmana»


El meu article número 95 a la revista virtual "El Cinèfil, la revista de cinema en xarxa i en català" (i gratuïta).

Amb motiu de la celebració de la 18ª edició del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, dedico l'article a analitzar algunes de les pel·lícules presentades en la programació del mateix. El festival es va celebrar presencialment amb fortes mesures de seguretat de protecció contra la pandèmia de la covid-19.

Teniu l'article, en català, al següent enllaç:



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http://elcinefil.cat/author/jordiojeda/

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lunes, 26 de julio de 2021

Audio y vídeo de la presentación virtual de “H. P. Lovecraft: Kadath”

Podéis descargar el audio/podcast en mp3 aquí:

https://upcommons.upc.edu/bitstream/handle/2117/349636/CCT-2021-07-26-Kadath.mp3

Audio y vídeo de la presentación de la novela gráfica “H.P.Lovecraft: Kadath”, publicado por Diábolo Ediciones con Florentino Flórez, Jacques Salomon y Guillermo Sanna. Modera Jordi Ojeda.

La entrevista cuenta con la presencia del guionista de la obra, Florentino Flórez, y los dos dibujantes de la misma, que han trabajado a cuatro manos. El cómic adapta libremente la historia más larga del ciclo onírico de H. P. Lovecraft, que se publicó en castellano recopilada por primera vez en 1970 en el libro que llevaba por título “Viaje al otro mundo. Ciclo de aventuras oníricas de Randolph Carter”, en concreto la adaptación corresponde a la novela “La búsqueda en sueños de la ignota Kadath”.

En la fotografía, de izquierda a derecha Jordi Ojeda, Florentino Flórez  (arriba), Jacques Salomon y Guillermo Sanna (abajo). Duración: 47 minutos (idioma: castellano). Lunes, 27 de julio de 2021, a las 19h. A continuación, el vídeo de la charla:


Toda la información aquí https://www.diaboloediciones.com/h-p-lovecraft-kadath/

Os dejo la nota de prensa de Diábolo Ediciones:

Hei! Aa-shanta ’nygh! ¡Eres libre! ¡Devuelve a los Dioses de la tierra a su hogar en la ignota Kadath! Y ruega para que jamás llegues a conocerme en alguna de mis otras mil encarnaciones… Porque yo soy Nyarlathotep ¡El caos reptante!

Adaptación de la obra de H. P. Lovecraft, The dream-quest of the unknown Kadath. La novela narra las aventuras de Randolph Carter, un viajero del país de los sueños que intenta no despertar antes de alcanzar su meta, la elusiva Kadath, el hogar de los dioses. El terreno de juego es la fantasía, la imaginación más desbordada. Carter se pasea por un mundo lleno de amenazas y monstruos abominables pero también de palacios, ciudades exuberantes y geografías que recuerdan al hombre su ínfimo papel en el gigantesco tablero cósmico.

¿Cuáles son las razones para seguir en marcha cuando todo lo que nos rodea resulta terrorífico y letal? Kadath ofrece algunas respuestas a esa pregunta, en el marco de una aventura trepidante donde nunca dejan de pasar cosas mientras acompañamos a Carter desde las cumbres más elevadas a las simas más tenebrosas.

Disfruta ya con una adaptación de Lovecraft diferente a todas las que hayas leído en el pasado.








sábado, 24 de julio de 2021

Palmarés del Festival Internacional de Cine de Sax

 

Palmarés del Festival Internacional de Cine de Sax

El Festival Internacional de Cine de Sax celebró este año su edición número 15 y volvió a realizarse de manera presencial. Este año, el certamen, calificador para los premios Goya, homenajeó a uno de los grandes precursores del cine y de los medios audiovisuales, Robertson (1763 - 1837). El Festival de Sax recreó uno de sus espectáculos de fantasmagorías del siglo XVIII con objetos originales de la colección Miguel Herrero Herrero y presentó las Obras completas de Robertson en una edición inédita, limitada y numerada de 300 ejemplares que se puede adquirir en exclusiva en la web de cinestesia. 

El Jurado de Calificación estaba formado por  Octavio David López Sanjuan, Manuel Eduardo Galipienso Fabregón y Jordi Ojeda Rodríguez. A continuación os presentamos la lista de ganadores del festival: 

Mejor Cortometraje de Ficción: Votamos de Santiago Requejo. 

Mejor Cortometraje de Animación: Roberto de Carmen Córdoba. 

Mejor Cortometraje Documental: El monstruo invisible de Guillermo Fesser y Javier Fesser. 

Mejor Cortometraje de Alicante: La increíble vacuna del Dr. Dickinson de Álex Rey. 

Mejor Cortometraje Social: Teslimat de Dogus Ozokutan. 

Mención Especial: Stanbrook de Óscar Bernácer y Camille et Moi de Marie Cogné. 


Además, se añaden los siguientes reconocimientos:

Mejor Proyecto de Largometraje: Tú no eres yo de Marisa Crespo y Moisés Romera. 

Premio del Público por la Universidad Miguel Hernández de Elche (UMH): Cómplices de Rubén Guindo.

El Festival Internacional de Cine de Sax está organizado por la productora y editorial Cinestesia, del cineasta y escritor Miguel Herrero Herrero, el Ayuntamiento de Sax y la Asociación Cinematográfica y Audiovisual de Sax. Asimismo, cuenta con el patrocinio de la Generalitat de Valencia, el Institut Valencià de Cultura, la Diputación de Alicante y la colaboración de la Universidad Miguel Hernández de Elche. 





domingo, 18 de julio de 2021

Presentación virtual de “H. P. Lovecraft: Kadath”

 

PODCAST @diskimus

Presentación virtual de 

“H. P. Lovecraft: Kadath

Con Florentino Flórez, Jacques Salomon y Guillermo Sanna

Modera Jordi Ojeda

Lunes 26 de julio de 2021

A las 19h en twitter y facebook

@diskimus @diabolocomics @jordiojeda

y en youtube en el link

https://youtu.be/Bzb1GRfQTFc

Con motivo de la publicación del cómic “H. P. Lovecraft: Kadath" por Diábolo Ediciones, se entrevista al guionista de la obra, Florentino Flórez, y a los dos dibujantes de la misma, que han trabajado a cuatro manos. El cómic adapta libremente la historia más larga del ciclo onírico de H. P. Lovecraft, que se publicó en castellano recopilada por primera vez en 1970 en el libro que llevaba por título “Viaje al otro mundo. Ciclo de aventuras oníricas de Randolph Carter”, en concreto la adaptación corresponde a la novela “La búsqueda en sueños de la ignota Kadath”. 

Toda la información aquí https://www.diaboloediciones.com/h-p-lovecraft-kadath/

Os dejo a continuación las notas de prensa de Diábolo Ediciones:

Hei! Aa-shanta ’nygh! ¡Eres libre! ¡Devuelve a los Dioses de la tierra a su hogar en la ignota Kadath! Y ruega para que jamás llegues a conocerme en alguna de mis otras mil encarnaciones… Porque yo soy Nyarlathotep ¡El caos reptante!

Adaptación de la obra de H. P. Lovecraft, The dream-quest of the unknown Kadath. La novela narra las aventuras de Randolph Carter, un viajero del país de los sueños que intenta no despertar antes de alcanzar su meta, la elusiva Kadath, el hogar de los dioses. El terreno de juego es la fantasía, la imaginación más desbordada. Carter se pasea por un mundo lleno de amenazas y monstruos abominables pero también de palacios, ciudades exuberantes y geografías que recuerdan al hombre su ínfimo papel en el gigantesco tablero cósmico.

¿Cuáles son las razones para seguir en marcha cuando todo lo que nos rodea resulta terrorífico y letal? Kadath ofrece algunas respuestas a esa pregunta, en el marco de una aventura trepidante donde nunca dejan de pasar cosas mientras acompañamos a Carter desde las cumbres más elevadas a las simas más tenebrosas.

Disfruta ya con una adaptación de Lovecraft diferente a todas las que hayas leído en el pasado.







sábado, 17 de julio de 2021

Jurado del Festival Internacional de Cine de Sax

Ya se ha hecho público que formo parte del jurado oficial del 15º Festival Internacional de Cine de Sax, junto a Octavio David López Sanjuan y Manuel Eduardo Galipienso Fabregón. En concreto participan 33 cortos nacionales e internacionales y tendremos que fallar sobre los siguientes premios:

- Mejor Cortometraje de Ficción. 500 euros. 

- Mejor Cortometraje de Animación. 500 euros.  

- Mejor Cortometraje Documental. 500 euros. 

- Mejor Cortometraje de Alicante. 250 euros. 

- Mejor Cortometraje Social.

- Mención Especial.

El evento es uno de los festivales calificadores para los Premios Goya. Los cortometrajes incluidos en la Sección Oficial y los ganadores del premio al Mejor Cortometraje de Ficción y Documental de esta edición podrán ser preseleccionados para la próxima edición de los Premios Goya.

Os dejo el link al programa del festival aquí y a continuación algunas de las imágenes destacadas del mismo: